In questa sezione si possono ammirare gli scritti critici originali….Cliccare sull’immagine di anteprima per una corretta lettura

Scritto di Mario Delitala per la presentazione di una mostra personale di Antonio Pala a Sassari nel 1968:

Scritti critici di Antonio Ciardi Dupré:

Brani tratti da scritti critici utilizzati per il testo di presentazione ad una mostra personale del Pala, svoltasi a Venezia nel 1973 presso la galleria d’arte “il riccio”:

Scritto del critico pugliese Vincenzo Jacovino del 1984:

Facoltà di Lettere e Filosofia

CORSO DI LAUREA SPECIALISTICA IN STORIA DELL’ARTE

ANTONIO PALA (1934-2002)

PER UNA IPOTESI DI LETTURA DELLA PRODUZIONE ARTISTICA

Relatore: Prof.ssa Maria Luisa Frongia

Tesi di Laurea di: Myriam Deidda

Anno Accademico 2009-2010

In questa sezione si può leggere l’intera tesi di laurea

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Antonio Pala frequentava volentieri i pittori più giovani, e non era raro incontrarne qualcuno presso i suoi cavalletti, o i suoi lunghi silenzi. Ad essi, e ai pittori di oggi, ci siamo idealmente rivolti al momento di scegliere da quell’ampio materiale che rende ancora vivo, ai nostri occhi, il suo atelier, che lui chiamava ‘studio’. In questi ultimi anni abbiamo ordinato e classificato per tecnica, periodo e dimensioni le opere in nostro possesso, rintracciato quelle di proprietà di altri privati o galleristi, ripercorrendo in tal modo anche i momenti di favore critico incontrato, negli anni, da queste opere; ne offriamo così in appendice dei brevi stralci. Ci teniamo qui a ringraziare sentitamente il Comune di Laerru, paese d’origine dell’artista, che ha contribuito a finanziare l’uscita del presente catalogo, e l’Associazione culturale Malik, che ugualmente si è impegnata, ottenendo un finanziamento dalla Provincia di Cagliari, per sostenere una attività di ricerca volta non solo all’inventariazione delle numerose opere, ma anche allo studio da parte di esperti.

La moglie Anita e i figli Paolo, Sandra, Brunella, e Valentina.

]]> http://www.antoniopala.it/web/franco-fraoni-sindaco-di-laerru/feed/ 0 http://www.antoniopala.it/web/mauro-manunza/ http://www.antoniopala.it/web/mauro-manunza/#comments Sat, 30 Nov 2013 17:03:49 +0000 alexdexadmin http://www.antoniopala.it/web/?p=397 Continua a leggere]]> RELAZIONE CONCLUSIVA SUL LAVORO SVOLTO nell’ambito del PROGETTO di “Ricerca e approfondimento sull’ Opera del Maestro Antonio Pala” (prima annualità)

Quella volta che, sprofondato in una poltrona, Antonio Pala si mise a fissare il pavimento, Anita, sua moglie, ebbe un sussulto preoccupato. Gli aveva rivolto la parola e non riceveva risposta. Lui era
assorto, pareva estraneo a tutto e a tutti fuorché a una mattonella: dopo tanto distratto camminarci sopra, d’improvviso s’era accorto che quei segni geometrici, quei motivi appena accennati, quei colori resi tenui e usurati dal calpestio domestico erano animati di una vitale forza ispiratrice. Si alzò, raggiunse il cavalletto e preparò pennelli e tavolozza. Non era un episodio inconsueto. Antonio Pala traeva impulsi creativi dalle forme apparentemente più ordinarie e nei momenti più impensati: una veduta dalla finestra, un incontro per strada, una pietra, un ramo d’albero abbandonato. Se poteva, portava a casa un legno o un sasso e ne studiava contorni, complessione fisica, elementi cromatici, riflessi di luce. Meditava, poi modellava, o scolpiva, o intagliava, o dipingeva, trasformando le impressioni in figure nuove. Non per caso lo hanno definito “artista meditativo”. Inseguiva i suoi pensieri, rifletteva, parlava poco. La sua spiccata riservatezza, per chi non lo conoscesse a fondo, poteva essere scambiata per introversione; ma per scoprirne il vero carattere occorreva vederlo in famiglia, delicato, gioviale, allegrissimo con la moglie e i figli. Gentile con i colleghi, generoso con tutti. Un signore d’altri tempi. Toeddu Pala lo chiamavano affettuosamente a Laerru, dov’era nato e dove tornava – fra i vecchi amici – ogni volta che poteva. Da Laerru aveva dovuto allontanarsi molto presto, per poter seguire gli studi. Appena dodicenne si trasferì a Sassari, dove poi imboccò la strada delle sue aspirazioni iscrivendosi all’Istituto d’arte e conquistando l’attenzione di illustri maestri come Filippo Figari, Stanis Dessy, Mario Delitala, Eugenio Tavolara. Dei quali nei primi tempi subì l’influenza stilistica, prima di affrancarsi per esprimere quel genere personalissimo e inconfondibile che avrebbe caratterizzato il suo lungo percorso di pittore, disegnatore, incisore, scultore. Così, sulle orme dei grandi artisti del primo Novecento sardo, irruppe grande anche lui nella seconda metà del secolo, contribuendo alla complessa opera di rinnovamento pittorico partita da Mauro Manca e cavalcata dalle nuove leve, giovani emergenti, decisi a liberarsi di una storicit consunta, soffocata da ripetitivi impasti “folcloristici” e comunque agganciata a un naturalismo ormai anacronistico. Ma con i movimenti ribellistici dell’epoca, Pala non aveva nulla a che fare. Anche perché non c’erano molti contatti diretti fra lui e i coetanei che operavano a Cagliari e Sassari sollevando scandalo fra i tradizionalisti legati alla “buona pittura”. 
Quando nel capoluogo nascevano e si intersecavano i gruppi “Studio 58” (Pantoli, Fois, Mibelli, Atza, Rossi, Brundu, Ugo) e “Iniziativa” (ancora Pantoli e Brundu, con Staccioli, Mazzarelli, Fantini, Agus, Casula), e quando l’insofferenza al fattore “sardità” trovava teoria nell’ambiente accademico e critico (Corrado Maltese, Mario Ciusa Romagna, Francesco Masala, il giovanissimo Salvatore Naitza), Pala viveva un forzato isolamento a Teulada, paese geograficamente vicino ma culturalmente lontanissimo dai fermenti modernistici della città. A 28 anni aveva ottenuto lì una cattedra d’insegnamento e gli arrivava forse soltanto l’eco dell’operoso brulichio neoavanguardistico che intanto trasformava anche la scuola d’arte sassarese. E purtuttavia marciava in parallelo, escluso dal dibattito, salvo da influenze, privo di modelli pratici e senza stimoli teorici. Confinato nel suo eremo sulcitano, non gli mancava il tempo per dipingere, né era a corto di soggetti. Guardava, pensava, creava, muovendosi anch’egli lungo una linea inconsciamente demitizzante. Stimolante per pittori come Biasi, Cabras, Sini (e restituita da ciascuno secondo la propria chiave interpretativa), Teulada si è rivelata non meno interessante per Antonio Pala, che ritraeva persone e paesaggi, angoli e contesti in modo tutto suo: non gioioso né solare, né etnico, né celebrativo. Diverso il suo occhio, rispetto agli altri, perché non retinico ma psicologico, guidato da convinzione verista e da toni conseguentemente crudi. Dominano, in questo periodo, scenari e soggetti severi, pennellate pastose, colori densi, cupi, sobriamente terrosi. Fisionomie accademicamente imperfette, eppure realistiche. L’indirizzo è chiaramente espressionista e su questa via s’incammina Pala con decisione, attento all’ambiente umano e alla solitudine degli animi. Spalle curve, testa incassata, visi rivolti in direzioni diverse, quattro uomini in dimesso velluto e coppola, i volti afisionomici, siedono attorno al tavolo della bettola, bicchieri di vino in mano, ciascuno prigioniero della propria ermetica individualità, schiacciato dal peso di problemi comuni ma incomunicabili. Abiti marrone, tavolino marrone, sfondo anonimo di sfumature marrone. Un quadro triste. Gli dicevano “Triste, troppo triste… Cambia!”, e lui sorrideva.  Andava per conto suo Arrivò il momento di cambiare umore, e questo avvenne giacché il suo ruolo di docente lo condusse a Cagliari. Era il 1966 e finalmente cominciò a respirare aria fresca, benché negli anni teuladini non gli fossero mancati del tutto i rapporti con gli ambienti artistici. Dopo il suo esordio a Roma nel ’57 (in una rassegna d’arte giovanile quando aveva appena 23 anni), era stato coinvolto a Cagliari in un paio di mostre collettive la prima delle quali agli Amici del libro, su invito di Nicola Valle; e si era reso conto che i suoi quadri richiamavano interesse. Infatti non aveva tardato ad allestire il suo vernissage ufficiale (al Cenacolo nel 1960): prima esposizione personale di una catena lunghissima che nel successivo mezzo secolo l’avrebbe fatto apprezzare non soltanto in Sardegna ma in Toscana e in Veneto, in Campania e in Puglia, in Umbria e in Lombardia, insomma un po’ dappertutto in Italia, con importanti passaggi a Roma e Parigi. Col mutare del clima artistico assieme a quello sociale e politico, nel decennio fra i Sessanta e i Settanta, matura il nuovo stato d’animo di Toeddu Pala, che si organizza il laboratorio in via Oristano. Vi sistema un torchio, così da poter soddisfare in modo autonomo la passione per la xilografia e l’acquaforte. In quel rifugio fuma molto, prende molti caffè, lavora tra le molte paste ad olio, setole, matite, carboncini, sgorbie, tavolette-matrici, creta, scalpelletti, legno grezzo. Riceve e scambia impressioni con amici artisti (Valerio Pisano, Leo Pes, Piergiorgio Gomez, Renè Rejinich). Il cambiamento più evidente è nell’esito del pennello. Si alleggerisce il peso del colore, mentre si accentua l’inquietudine del segno e si evidenzia attenzione agli eventi sociali, ai turbamenti esistenziali, ai significati. Nella trasformazione creativa, Pala va incontro a un suggestiva rappresentazione extra-realistica, spesso indefinibile e inquietante come un sogno. Un brutto sogno è per esempio l’Apocalisse (1976), rappresentata in uno scenario da incubo con la Morte a cavallo che incombe feroce su edifici incendiati e movimenti di folla in preda al panico. La metamorfosi nello stile è sintomo d’orientamento verso certi valori umani che l’artista vede intorno a sé corrompersi e che d’ora in avanti cercherà idealmente di recuperare con un linguaggio visivo nuovo, sia pur coerente nella scelta antitradizionalista. Il grottesco cede presto alla quietezza della forma, quasi alla contemplazione; il cromatismo offuscato si schiarisce nella serenità di colorazioni nette ma serene; i tratti deformati si addolciscono senza perdere il taglio sintetico e angoloso dei profili. L’apparato scenico perde drammaticità, acquista spazio fisico e pacatezza nel respiro psicologico. In questo rinnovamento dei canoni estetici Antonio Pala accentua temi che gli sono cari, dalla spiritualità religiosa (trasmessa per suggestive immagini e rappresentazioni sacre) alla simbologia letteraria (vedi la serie donchisciottesca), dall’interesse per la natura morta alla poesia dei paesaggi (barche, battelli, vedute di Cagliari). E dà vita a inediti contenuti, inventando un universo femminile che ha pochi confronti. Donne sensuali, donne sognatrici, donne forti, amazzoni e angeli, confuse tra realtà e mito, dalle espressioni impenetrabili, sfuggenti nel loro misticismo trascendente. Donne ambigue, silenziose, religiose e profane, raccontate in pose immobili e sguardi lontani, immerse in atmosfere irreali e rarefatte da cui emerge la forza arcana del fascino femminile. Un mondo alla Delvaux, a parte la lontananza di stile pittorico fra l’artista sardo e quello belga. Donne sole, oppure in gruppo ma chiuse in se stesse nella comune atmosfera di melanconia sognante. Una guarda lontano, una legge in una tranquilla stazioncina ferroviaria, altre suonano strumenti d’orchestra classica, altre ancora cantano davanti al leggìo – e sembra di udire melodiche polifonie dedicate alla divinità. Sono dappertutto, fra i porticati della città e sopra i tetti. L’angelo violinista accarezza le corde volteggiando in celesti onde di vento che si confondono con quelle del mare Così Cagliari è sospesa in un limbo luminoso di cielo terra mare, cullata e protetta dalle sue donne immaginarie. Pala vola anche lui, nell’idealizzare in termini fiabeschi figure e scene descritte con contorni netti e taglienti di un vago primitivismo che non esaspera le deformazioni; raccontate con il gusto dei colori tenui lusingati dalla ricchezza di luci e contrasti. E si libra così nel realismo del subconscio esprimendo attitudine a quel simbolismo di dimensione inconscia agganciato all’enigmaticità surrealista. Non è estraneo a tanta creatività lo spazio nuovo e stimolante che ha intanto conquistato a poche decine di metri dalla sua casa di piazza Gramsci. Negli anni Ottanta ha infatti rilevato un appartamento al piano terra di via San Lucifero; ha fatto abbattere i tramezzi e trasformato quei cento metri quadrati in un ambiente vasto, carico di oggetti, quadri, sculture, un eremo protetto e denso di vitalità intima, silenziosamente operativa. Ci si trova in perfetto agio, ci s’intrattiene mattina e sera da quando ha lasciato la scuola, disegna, scolpisce, dipinge. Ora sono più grandi le tele e (preferibilmente) le tavole sulle quali passa i pennelli. E’ in quell’oasi ovattata e inviolata – nel cuore di un quartiere vivace e congestionato dal traffico – che prende corpo un’opera fra le più belle e sorprendenti: è un grande Cristo in croce, di misure naturali, il fisico lacerato, il volto sofferente ma luminoso di serenità misericordiosa: un capolavoro di stretta aderenza realistica che trasmette spiritualità e commozione. Gliel’hanno chiesto a Laerru, l’ha scolpito nel legno con il talento comandato dal cuore e l’ha donato alla chiesa parrocchiale, che adesso vanta anche una Via Crucis di straordinaria efficacia artistica e religiosa: quattordici quadri, realizzati a olio e tecnica mista, che raccontano un Calvario d’impressionante angoscia, emozionante nel suo plastico linguaggio espressionista Con queste opere dell’anima Toeddu resta per sempre a Laerru, come non se ne fosse mai allontanato. Desiderava ritornarvi, forse, negli ultimi anni di maturità artistica che hanno prodotto una quantità massiccia di dipinti, sculture, disegni, inchiostri, tempere, carboncini e biacca, decollages, monotipi accuratamente lavorati al torchio, incisioni che sono ancor oggi scarsamente conosciuti nonostante il robusto spessore artistico e tecnico.  I misteri, 1987, linoleografia, 50 x 70 cm Venere, 1987, linoleografia, 50 x 70 cm Si può pensare che una forma di riservatezza mentale, magari timida modestia, abbia impedito all’autore di farle circolare perché entrassero nella storia della superba tradizione incisoria sarda. Poco viste, ma ci sono, e lasciano impronta quanto meno nei canali di quel collezionismo privato che spesso sfugge alle analisi critiche ufficiali. Certamente lui era conscio della qualità delle sue stampe, ma preferiva puntare soprattutto sulla forza espressiva dei lavori a olio, ed erano questi che affidava al gallerista Peppino Floris che ne capiva il valore e lo sosteneva nel difficile mercato artistico. Lo aveva capito subito, fin dai tempi della scuola sassarese, anche Mario Delitala. “Ha bisogno dell’elemento umano per ispirarsi”, scrisse molti anni fa in un’acuta pagina critica nella quale sottolineava la vigoria del gesto di pennellata, la “giusta misura espressiva senza concessioni alla retorica”, la “costante intesa fra disegno ed espressione” e la potenza del “ricreato attraverso le proprie emozioni”. Infatti: Antonio Pala ricreava la realtà soggettivandola e figurando l’invisibile. Era un intuitivo che si esprimeva con capacità innaturata. “Non mi propongo un tema”, ci disse una sera: “Ogni volta, stimolato da un pensiero, avvio un discorso e mi lascio condurre riflettendo sulle molteplicità e le suggestioni dell’occasionale argomento. Mi spinge la necessità di dipingere quello ch sento più che quello che vedo”. Indirizzo teorico solo apparentemente semplice. Per tradurlo nella pratica occorrono volontà, genialità, tecnica, esperienza, cultura, doti che lui concentrava in fatica. Faticava per ore, e anche si divertiva.

L’Arcivescovo inaugura la mostra d’arte per aiutare la Bosnia

Arte e cultura per la soliderietà è il tema di una mostra di artisti contemporanei che verrà inaugurata oggi alle 18,30 nella galleria d’arte’ La bacheca’, in via Dei Pisani. L’iniziativa e dell’associazione’ Madre della pace di Cagliari’, che devolverà tutto il ricavato della mostra ai profughi della Bosnia-Erzegovina. L’associazione è impegnata da tempo anche sul fronte delle adozioni a distanza di piccoli profughi.All’appuntamento saranno presenti anche l’arciverscovo Ottorino Alberti e il presidente della Giunta regionale Federico Palomba. Gli espositori della galleria d’arte sono Andreina Argiolas, Franca Assali, Renato Boi, Gabriele Cancedda, Annamaria Caracciolo, Agata carubelli, Emma Casula, Tonino Casula,Ines Corona, Liliana Corrias, Attilio Della Maria, Maria Luisa Delzotto, Michel Desantis, Karel Ebas, Nello Farris, Nazario Fusco, Sandro Giordano, Stefano Grassi, Luciano Latte, Angelo Liberati, Giovanni Mesano, ‘ Maga’, Susanna Manca, Mario Massa, Italo Medda, Marisa Medda, Raffaele Meloni, Mirella Mibelli, Aldo Montaldo, Anna Mundula, Wanda Nazari, Ignazio Orrù, Antonello Ottonello, Antonio Pala, Primo Pantoli, Corrado Pau, Lella Pedrazzini, Leo Pes, Giuseppe Pettinau, Giovanni Pisano, Giorgio Podda, Rosanna Rossi, Nilso Maria Spissu, Filomena Spissu, Gemma Tardini ed Ebas Karel.La mostra resterà aperta fino a venerdì (dalle 18 alle 21).

Visioni sul pennello, due mostre a Cagliari

Quali spazi esistono oggi perché un pittore contemporaneo possa raccontare la sua opera e quanto invece i critici li hanno defraudati di questa possibilità inventando per loro un linguaggio fatto di codici e simboli? Sulla base di questa ipotesi, da oggi al 6 novembre, la galleria ‘La Bacheca’ di Cagliari ospita una collettiva di artisti cagliaritani (Gianni Atzeni, Attilio Della Maria, Italo Medda, Mirella Mibelli, Giuseppe Pettinau, Luciano Soro, Italo Utzeri e Giuseppe Vargiu) diversi tra loro per passioni esistenziali e per età anagrafica ma uniti nel continuare una ricerca sul piano dell’astrattismo. Una ricerca in cui «non ci sono confini tra oggetto e soggetto, tra naturale e soprannaturale, tra veglia e sonno».Dalle esplosioni di poesia arrabbiata di Mirella Mibelli alle produzioni
materiche di Gianni Atzeni, dalle deformazioni surreali di Attilio Della Maria al rifore visionario di Italo Utzeri, Luciano Soro e Giuseppe Pettinau, per approdare ai libri d’artista di Italo Medda. Cagliari non è una gran città, il suo centro storico può ormai racchiudersi in un pugno. E se alla fine del viale Regina Margherita, in via dei Pisani, la pattuglia di astrattisti fa i conti con se stessa alla Bacheca, poche centinaia di metri più sopra, alla passeggiata coperta del Bastione, è la visionarietà, in qualche caso l’oleografia figurativa a trionfare nella dedima mostra di Vivicastello, ancora visibile fino a domani sera.Sul tema «uomo e ambiente nel pianeta Sardegna», potete trovare quadri di Antonio Atza, Francesco Becciu, Franco Bussu, Vittorio Calvi, Antonio
Corriga, Michele De Santis, Manlio Masu, Antonio Pala, Leo Pes, Giovanni Pisano e Sisinnio Usai. La Sardegna delle marine e della vendemmia, dei sogni opulenti e colorati e delle bagnanti disegnate apposta per far rivivere una memoria che non c’è più e ad alcuni morde ancora.

Marine in Passeggiata

Metti alla passeggiata coperta del Bastione di Cagliari un po’di foto antiche, qualche radio e automobile d’epoca, un po’ di artigiani e magari anche una rassegna di film su Amedeo Nazzari. ViviCastello espone ancora oggi i quadri figurativi che quattordici pittori, ridotti poi a dieci per disguidi organizzativi, hanno presentato all’interno della ormai decennale mostra di pittura. Quadri tutti di autori e hobbisti più o meno famosi e quotati, che incontrano molto i gusti del grande pubblico per la tipologia dei soggetti che propongono, siano marine di Bosa, come i due olii di Antonio Atza, o bagnanti, alberi lussureggianti, scene di vendemmia come, rispettivamente, propongono Antonio Corriga, Manlio Masu, Michele de Santis, Leo Pes.Ma anche laddove il linguaggio si fa più ardito, come nelle figure geometriche di Francesco Becciu, nei paesaggi di Franco Bussu e di Vittorio Calvi, nelle fanciulle di Antonio Pala e nelle figure astratte di Sisinnio Usai, il rassicurante contatto col figurativo non
viene mai perso di vista. Senz’altro avrebbero aggiunto qualcosa le opere, presenti sul catalogo, dei grandi assenti Rosanna Rossi, Mirella Mibelli, Giovanni Pisano e Angelo Liberati; quanto poi alle motivazioni della loro adesione e del successivo ritiro, l’impressione è quella di un ripensamento dell’ultimo minuto, un po’ troppo tardi e un po’ poco serio.

Antonio Pala e le sue donne

Un pittore tra maternità e baccanti, sacro e profano impressionante Via Crucis di Antonio Pala sarà il vanto di una chiesa in qualche parte della Sardegna. Quattordici quadri (olio e tecnica mista), uno per stazione, il Calvario di Cristo visto, partecipato con il cuore, gli occhi, le orecchie, l’anima: i colori del raccapriccio, l’accalcarsi della folla eccitata e vociante, i gemiti di chi porta la croce, le urla rauche dei miliziani, il lamento soffocato delle donne di Gesù. Crudeltà, dolore, pietà messi in cornice. L’anonima collezionista che ha acquistato l’opera ha soltanto detto «è il mio regalo a una chiesa». Dove, quando, è ancora un mistero. Ma intanto la Via Crucis dell’artista di Laerru è esposta al pubblico. Può esser vista a Cagliari per una decina di giorni ancora: fa parte della mostra allestita nella ‘Galleria 13′ di Peppino Floris, in via XXVIII Febbraio (aperta mattina e sera tutti i giorni fino al 30 marzo). Per Pala è la cinquantesima personale in oltre quarant’anni di percorso artistico che gli hanno dato soddisfazioni importanti nella scultura, nel disegno, nell’incisione e nella pittura. Non sorprende saperlo allievo di Figari, Dessy, Tavolara, Tilocca, suoi maestri quando frequentava la
Scuola d’arte di Sassari. Da tutti ha assorbito la dignità, il gusto, la tecnica, la classe; di ciascuno di essi ha assimilato i caratteri, fondendone i linguaggi per approdare a una cifra pittorica spiccatamente individuale. Antonio Pala è difficilmente accostabile a un genere categorico. Nei suoi quadri è possibile intuire gli elementi formativi dell’arte realistica rivolta al simbolismo. Mario Delitala osservò che Pala rivela il vero ricreandolo attraverso le emozioni: «I colori con i quali si esprime sono densi, pastosi, e in essi fa scorrere la scivolosa spatola o la dura setola del pennello per ricavarne luci e forme che danno alle sue opere ad olio un aspetto di sintetico primitivismo che risponde, d’altronde, al suo carattere schiettamente lirico di uomo quanto mai semplice…». In questa sua realtà filtrata dallo spirito si leggono caratteri antitradizionali rispetto alla prima metà del Novecento pittorico sardo. C’è anche un po’ di Guttuso, se vogliamo, nel suo figuratismo crudo, nell’energia del tratto, nella determinazione rappresentativa, nel cromatismo deciso, nella solarità dei paesaggi, nella sensualità dei personaggi. Donne, in preferenza. Le donne sono molte nella ricca rassegna proposta in questi giorni a Cagliari. Dalla maternità alle baccanti, dal sacro al profano, la magia femminile è nello stesso tempo idealizzata, spiritualizzata e carnalmente passionalizzata. La donna, stavolta, è in gran parte identificata nella settima musa: mollemente adagiata sull’arpa, ascolta rapita il vibrare delle corde; con sicurezza sfiora i tasti del pianoforte accompagnando il canto delle amiche; o regala il profumo dell’alito al flauto – e sembra di sentirne il modulare. Ma non solo orfeoniste. Il ‘tema’ prevalente della mostra riguarda la musica. La musica sullo sfondo di Cagliari. Così dietro l’arpista si stagliano i tetti e i campanili di Stampace, il violonista siede sotto i portici della via Roma, e la città – angolo dopo angolo – diventa una luminosa sala per concerti sul cui podio non materialmente collocabile volteggia la bacchetta d’un direttore che trascina l’orchestra. «Non è un tema imposto neppure da me stesso», spiega Pala: «Ogni volta, nell’ambito di una mostra, avvio e porto avanti un discorso». Nel sedersi davanti al cavalletto avvia un discorso lasciandosi condurre: sviluppa un pensiero, studia la molteplicità di un argomento e ne rivela le infinite suggestioni, spinto dalla necessità di dipingere quello che sente più di quello che vede. Dice di preferire la figura umana al paesaggio; ma certo esprime non poco amore nel cogliere le luci
di Cagliari, nell’interpretare i panorami, nel ‘raccontare’ fiori o frutta. Quei contorni marcati, quei colori contrapposti o sfumati, quel vigore di esperienza e di vissuto restano negli occhi e nel sentimento di chi li ha osservati.
Mauro Manunza

Arte. Due rassegne di pittori sardiMaestri nel Novecento

Aligi Sassu, Giuseppe Biasi, Filippo Figari, Bernardino Palazzi, Pietro Collu, Cesare Cabras, Mario Delitala, Valerio Pisano, Ausonio Tanda, Gavino Tilocca, Pietro Antonio Manca, Dino Fantini, Mauro Manca, Stanis Dessy, Remo Branca, Antonio Mura e tanti altri maestri del Novecento pittorico sardo, da Rosanna Rossi ad Angelo Liberati, da Antonio Corriga a Franco Bussu, da Antonio Atza ad Angelo Romby, da Leo Pes ad Antonio Pala: è quel che offre la Galleria 13, in via XXVIII Febbraio. Una panoramica più unica che rara (anche occasione d’interesse didattico, considerata la possibilità di un confronto diretto) visitabile ogni giorno dalle 10 alle 13 e dalle 17 alle 20,30, festivi compresi. Intanto una rara rassegna di opere grafiche di Felice Melis Marini e altri incisori è allestita nella galleria Incontri d’arte, viale Regina Margherita 91. Può essere visitata tutti i giorni (orario 17-21) fino al 18 ottobre.

Gioia e tenebre del sacro.

Sarà stato lo spirito del Giubileo a soffiare nella devota anima del gallerista Peppino Floris l’idea di radunare i segni dell’arte sacra. Segni eloquenti e fra i più significativi della pittura sarda, con qualche vertice di rappresentazione scultorea. Quello che da sabato potrà vedersi nelle due sale della “Galleria 13”, in via XXVIII Febbraio a Cagliari, è un concentrato della forza arcana che l’esercizio artistico isolano rivela un po’ in tutte le epoche, attraverso correnti, forme e suggestioni differenti ma emotivamente comuni. La rassegna è tutt’altro che completa (ci vuol altro), ma sufficiente per comprendere quanto sia profonda la spiritualità nell’arte e quanto inafferrabile il concetto di sacralità: specie se trasferito dall’intimo all’esterno attraverso il filtro ottico. Che è comunque filtro di animo artistico. L’espressione di un Biasi non è ovviamente quella di un Sassu, ma viste l’una accanto all’altra manifestano l’umana mistica che tutti accomuna: ogni opera si ricollega all’eccezionalità, al meraviglioso, alla pietà, all’ancestrale paura dell’evento non contemplato nell’esistenziale. Esperienza estatica, esasperazione quasi patologica, necessità emblematica, esercizio intellettuale, motivazione etica. La definizione non può che essere approssimativa quando la sacra fames deve confrontarsi con la sua pretesa morfologia.

Così la percezione dell’artista può mostrarsi splendida oppure orrida agli occhi di chi deve recepire, realizzandosi in un’ambiguità che sfugge alla ragione. Al di là delle riflessioni cui la mostra induce, non resta che richiamare a una pacata visita in galleria. Allineando qui semplicemente nomi e intenti. Vi sono opere finite e vi sono studi e bozzetti di opere altrimenti realizzate, molte delle quali peraltro note, distribuite fra le chiese sarde. La serie indubbiamente più rara è data da dieci ritratti di papi: Aligi Sassu li realizzò, con altri dieci, a pastello intelato perché si trasformassero poi in quel grande mosaico che nobilita la chiesa cagliaritana del Carmine. I medaglioni con i volti dei pontefici sono del 1966, in grandezza pressoché naturale. Bozzetti (a olio) di opere importanti sono anche quelli di Antonio Mura (si rivedono in dimensioni e forme finite a Bonaria, a San Paolo, a Santa Rosalia in Cagliari, nel Seminario di Oristano e in altri luoghi di culto). Quello di Giuseppe Biasi (una
piccola processione di Sant’Efisio). E quelli di Salvatore Fara (Vincenziane di Sassari, Madonna della Mercede ad Alghero), del quale impressiona una Natività del ’66. E di Vittorio Calvi (chiesa di Sant’Orsola in Sassari) e di Antonio Corriga (una Deposizione per la pala di 40 metri nella parrocchiale San Giovanni a Fonni) e di Antonio Ruju (volto di Cristo, particolare di un’opera custodita a Lula). I quadri finiti sono di Filippo Figari (una splendida Deposizione, olio del 1947), di Bernardino Palazzi (studio per San Giovanni che prega , realizzato a Roma nel
’61), di Pietro Antonio Manca (tre oli di eccezionale suggestione), di Bussu (Golgota), di Masu (due grandi oli che rappresentano la salita al Calvario), di Atza (sacrale Omaggio a Raffaello, spatola). E naturalmente alcune processioni di Corriga, accanto a una bellissima drammatica lugubre processione di Valerio Pisano. Di Antonio Mura sono da osservare con attenzione tre xilografie, così da confrontarle con il Cristo deriso alla colonna che il maestro dell’incisione xilografica Mario Delitala realizzò nel 1928. Antonio Pala è presente con una Madonna delle Grazie, grande olio che compete con il suo “doppio” di abile scultore: un bassorilievo di gesso una maternità scolpita nel legno e un massiccio Cristo ligneo collocato per l’occasione all’ingresso della mostra. Ed
ecco Gavino Tilocca, che s’inserisce con tre bassorilievi: Adamo ed Eva in bronzo e argento, le Pie donne in ceramica, un Golgota bronzeo. Può darsi che qualcosa sia sfuggito. Ma ce n’è abbastanza per un’indagine sulle ierofanie dei nostri artisti di ieri e di oggi. Manca soltanto un melodico canto d’organo che accompagni le nostre reazioni di profani dinanzi alla rappresentazione del sacro.
Mauro Manunza